La interpretación de esta pieza de Takemitsu que realicé en la Ilustre Casa de Valencia en Madrid en el evento solidario con las víctimas de los desastres de Japón que se realizó en 19 de mayo de 2001.
Hice este vídeo apresuradamente, con el piano desafinado y lo he tenido que grabar y editar en un móvil, para que pudiera servir para difundir el evento en favor de los damnificados por los desastres de Japón que se celebra el día 19 de mayo de 2011 a las 19:30 en el Círculo Valenciano de Madrid, Paseo del Pintor Rosales 58. Para otra vez procuraré usar mejores medios.
Os presento "La Sexta Palabra", una obra de Enrique Blanco, mi marido. La obra es el resultado de desafiarle a hacer una marcha de Semana Santa. Ahí veis el resultado.
El material de hoy. Como me habéis dicho (¡gracias, María José!) que el ruido no os molestaba mucho, lo he hecho igual que el anterior. La partitura la podéis descargar de aquí.
Hola chicos y chicas. Ayer sábado empezamos a sonar: ¡enhorabuena a todos! Ahora lo que necesitamos con urgencia es más gente, sobre todo hombres. ¡A ver si somos capaces de conseguirlo! Aquí os muestro cuál va a ser la siguiente pieza que montemos. Estoy probando diversos sistemas de crear estas películas. El que he empleado aquí es el más rápido y cómodo, aunque mete demasiado ruido de fondo. Sería interesante que me escribierais un comentario para saber si os resulta insoportable.
Aprovecho para comentaros que hay que ponerle nombre al coro. Lo de “Coro ElCora” es sólo provisional. ¿Alguna idea?
Aquí tenéis el material que hemos empleado en la primera sesión del coro al que, provisionalmente, llamaremos "Coro ElCora·. Podéis ver en el vídeo la Folía que hemos empezado a montar. La llevaremos algo más lenta de lo que escucharéis, pero provisionales e inesperados problemas informáticos me han impedido controlar el tempo. Para los que os hayáis dejado el material en la sala de ensayos (unos cuantos) o vayáis a asistir en la siguiente sesión, esto es el material que se ha repartido. ¡Cantad y afinad!. Por cierto, estaría bien que dejáseis algún comentario para verificar que todo funciona. Saludos.
InFUNción y Coral por María Teresa Ramos from Enrique Blanco on Vimeo.
Para quien no conozca el villancico original
Aquí os paso la reciente invención improvisada de Enrique Blanco que me ha hecho mucha gracia, ya que es mi villancico preferido. Aprovechamos para felicitaros.
Un recuerdo emocionado para Alicia de Larrocha, a quién todos los músicos españoles, sobre todo los pianistas tanto debemos por su labor, musical, divulgativa y pedagógica. Descanse en paz.
Para conocer el origen del instrumento que nos ocupa debemos remontarnos a la consideración de algunos otros instrumentos más antiguos, de los que el piano es una consecuencia. El más antiguo que conocemos es la cítara, que se remonta a la Edad de Bronce (aprox. 3000 A.C). Consiste en un conjunto de cuerdas dispuestas sobre una tabla que eran puestas en vibración mediante los dedos o algún elemento punzante. Utilicemos nuestra imaginación para pensar en una gran cítara en que las cuerdas sean puestas a vibrar mediante martillos ( existe, es el zimbalon o santur ). Un instrumento posterior fue el monocordio, basado en una única cuerda considerablemente más larga que la de la cítara vibrando sobre una caja de resonancia de madera. Sobre este instrumento Pitágoras realizó sus estudios sobre las relaciones interválicas. El siguiente paso lo da el Salterio, construído como la cítara pero con forma trapezoidal para adaptarse a las diferentes longitudes de las cuerdas. Posee una rudimentaria tabla armónica y pequeños puentes tonales. Esa forma trapezoidal se hará luego presente en los primeros clavecines. El Dulcimer es una variante del salterio pensado para que las cuerdas sean percutidas.
Se dan así una serie de elementos que luego han estado presentes en el piano. Se pueden resumir en: un bastidor, esqueleto o estructura, un variado número de cuerdas tensadas sobre una tabla o caja que amplifica el sonido.
La idea de interponer algún tipo de aparato mecánico entre las cuerdas y los dedos, inspirada quizá por el órgano - otro de los antecesores del piano en este sentido -, de tal modo que aquellas no tengan ya que tocarse directamente con los dedos, no es tan antigua y conforma uno de los últimos pasos en la evolución del piano. Los primeros intentos en ese sentido tuvieron lugar alrededor de los siglos XII y XIII. Entre estos instrumentos encontramos el Clavicordio, en el que las cuerdas se ponen en vibración mediante un pequeño clavo o artilugio metálico, puesto en movimiento desde un teclado accionado con los dedos. Un desarrollo posterior aunque contemporáneo lo supone el Clavecín. La diferencia entre ambos es que en el último las cuerdas se ponen a vibrar mediante un plectro.
Alrededor del año 1695 un italiano llamado Bartolomeo Cristófori comenzó a construir un instrumento que, aunque básicamente era de una especie similar al clavecín, incluía un concepto revolucionario. El elemento que toca las cuerdas es una pieza de madera con la forma de un martillo cuya punta estaba recubierta de cuero. Esto no producía un sonido metálico como en el clavecín o clavicordio, sino mucho más dulce y sostenido. Además, el martillo disponía de escape mediante el cual era posible variar tanto el volumen como el tono del sonido.
En este instrumento estaba notablemente aumentada la capacidad expresiva musical, gracias a las gradaciones de volumen y a las ligeras variaciones tonales. Movimientos rápidos y bruscos de la tecla producían sonidos de gran volumen y brillantez. Movimientos lentos y apacibles, sonidos de menor volumen y más dulces. Al instrumento así construído, Cristófori lo llamó Fortepiano. Hoy en día utilizamos más comúnmente la palabra piano, pero el concepto fundamental de instrumento capaz de conseguir sonidos fuertes y suaves continúa siendo el mismo. Hacia 1726 Cristófori introduce un nuevo elemento en sus pianos, el sistema "una corda," que permanece hasta nuestros días. Se basa en la posibilidad de permitir al intérprete mediante un comando especial (pedal izquierdo) desplazar el mecanismo de modo que cada martillo golpee sobre una menor cantidad de cuerdas, adulciguando así el sonido.
Hechos históricos:
Me encanta tu interpretación, Norah. Tomo lecciones. ¡Cómo se notan los años de aprendizaje! Espero pronto tocar también con orquesta. ¡Guau!
I love your performance, Norah. I’m taking lessons. You can see these are the years of learning. I hope to play with an orchestra soon! Woof!
Mi ama sigue con un despiste impresionante. Lllevo un buen rato esperando que me dé de comer, como es su obligación. Así que, mientras tanto, ¡guau!
My owner continues to be tremendously forgetful. I’ve been waiting for her for quite a while for her to feed me, as she should do. So, in the meantime… Woof!
Hola, soy Wanda. Aprovechando un despiste de mi ama, me he conectado a Internet, y he visto este vídeo, que a lo mejor os gusta. ¡Guau!
Hello, I’m Wanda. Taking advantage of my owner’s inattentiveness, I connected to the Internet and discovered this video you may like. Woof!
Hace dos días vi en 20minutos la noticia de que el Mozarteum autenticaba dos obras de Mozart. La primera, era la parte de piano de un concierto para piano y orquesta. La otra obra, un preludio. Viendo mi incapacidad para componer la orquesta en un día, he decidido tocar el preludio. Mozart lo compuso cuando tenía siete u ocho años. Es una delicia de pieza, como toda su obra. Que yo sepa. el Mozarteum la ha dado a conocer tocada en clave. Quería ser de las primeras personas en tocarla para piano.
¿Qué es un preludio? Un preludio no es en absoluto una forma musical. Muchos de nosotros, pianistas, conocemos un preludio como algo que antecede a una fuga, de la cuál ya he hablado. También conocemos los preludios como una forma de expresión pianística hecha furor romántico. Lo único cierto es que normalmente van delante de algo, y eso ni siquiera es verdad para los de Debussy o Chopin. Ciértamente, este preludio, acabando en la dominante, iba a ser seguido de otra pieza.
Nos encontramos con un Mozart efectivamente muy niño, y, en efecto, si pudieramos mirar cada pasaje, seguramente estaría muy influido por sus coetáneos, como cualquier compositor joven. Tenemos un preludio con alas,que quiere volar,en el sentido de usar todos los medios armónicos y contrapuntísticos, todos los medios rítmicos como cuatro contra tres, que será frecuente en él. Debemos de observar la enorme ingenuidad con la que nos lleva a la preparación de la cadencia, con el cambio de subdivisión. Me he permitido hacer las cadencias propias de la época. Considero que se adecuan perfectamente. En mi experiencia el estilo mozartiano admite desde un toque perlé (perlado, incluso algo superficial) como la elaboración más sesuda. No os olvidéis de que el preludio es un estilo libre. Os animo a tocarlo
Podéis ver la información y las partituras a partir de este vínculo.
Mozart: unpublished prelude discovered
Two days ago I read a news article in the newspaper 20minutos about Mozarteum’s authentication of two works by Mozart. The first one is the piano part of a concerto for piano and orchestra. The other opus is a prelude. Since it was impossible for me to arrange the orchestra in one day, I’ve decided to play the prelude myself. Mozart composed it when he was seven or eight. It’s a delightful piece, as all of his work was. As far as I know, Mozarteum has published it to be played in clef. I wanted to be one of the first people to play it for piano.
What is a prelude? A prelude is not a musical form at all. Many of us, as pianists, know a prelude as something that precedes a fugue –a subject we have already addressed in another article. We also know preludes as a form of pianist expression turned into romantic furore. One thing’s certain: they usually go after something –although that’s not even true for those by Debussy or Chopin. Certainly, this prelude ending on A dominant was intended to be followed by another piece.
This is a Mozart who was very young indeed, and, if we examine each passage, we see that it is strongly influenced by his contemporaries, just as with any other young composer. Here we have a prelude that seems to want to fly, in the sense that he uses every means possible that harmonics and counterpoint have to offer, and all rhythmical means such as 4 versus 3, which would be frequently used by him. We can see the enormous ingenuity with which he takes us to the preparation of the cadence with a change of subdivision. I’ve dared to do the typical cadences of that time. I think they adapt perfectly. In my experience Mozart’s style allows a jeu perlé (a pearled play, although rather superficial) as his brightest elaboration. Don’t forget that the prelude is a free style. I urge you to play it!
You can get the information and scores by clicking on this link.
Pongo esta obra como una venganza contra los politonos, sonitonos, megatonos y mierdatonos que me bombradean desde hace ya demasiado tiempo. No es posible encender la televisión, escuchar la radio, salir a la calle,sin escuchar segundos de melodías que no van a ninguna parte, puestas de moda conscientemente para que duren diez días como mucho y a mí me traen frita.
¿De dónde? ¿De quién? Parece ser uno de los negocios más prósperos de España (supongo que también de otros muchos paises). Lanzarnos basura musical indiscriminadamente, una detrás de otra, hasta que nos cansemos, pero no nos cansamos. ¿Tendremos tan atrofiado el gusto, el oído?
Mi venganza es Eleanor Rigby, para todos ellos. Un gran temazo de cuatro jóvenes (lo fueron, hace ya algunos años) que no sólo hicieron buenas canciones, sino buenos temas, es decir, canciones que se pudieran versionar, y que marcaron desde un estilismo a una forma de ver la vida. Incorporaron hace más de cuarenta años, aunque hoy pueda parecer normal el cuarteto clásico que aparece en la versión original de forma clarísima. Utilizan el contrapunto. Utilizan frases, métrica y lírica que conforman una canción, simplemente una canción. Hoy por hoy echo de menos artistas que tengan un estilo propio, que además creen tendencia y que, desde luego, aporten alguna innovación en cuanto al estilo musical. Las pandillas de postadolescentes acnéicos vestidos de stock de Zara me tienen muy cansada. Su incultura llega a extremos. No puedo entender que no sepan quienes son los Beatles o Bruce Springsteen.
A propósito de la obra: es un mágnifico arreglo del escritor y compositor colombiano Edgar Ordoñez. Podéis visitar su perfil de YouTube haciendo click aquí. Son siete páginas de inteligentes efectos sonoros y de puro ritmo donde el compositor nos muestra su clara influencia bartokiana. Lo que yo destaco de este arreglo es lo siguiente: la ruptura de mecanismos. Tiene varios, identificadísimos y de muy corta duración. Desde las semicorcheas bastante articuladas a las negras acentuadas. Destacaría la delicadeza de la introducción y del finale, que nos lleva a un esperadísimo Adagio. Es un pequeño reto para poner los dedos en forma con un ritmo popero. Edgar ha jugado al perfecto equilibrio entre no ser demasiado jazz y con claras connotaciones clásicas.Cómo, con total ausencia de patrones conseguir un movimiento tan brutal. Una obra interesantísima y que siempre aporta al pianista de a pie los ecos sonoros que nunca nos deberían faltar. Os la recomiendo. Aprovecho para dar las gracias a Edgar Ordoñez por su generosidad al enviarme la partitura. Con trabajos tan extraordinarios la buena música está vigente. Que la disfrutéis y no os conforméis con menos.
Dedico esta canción a todos los amantes de las buenas canciones.
Nota: el arreglo de Edgar Ordóñez está dirigido a estudiantes de un claro nivel medio-superior.
I am presenting this composition as an act of vengeance against all those polytones, sonytones, megatones and excrementones which have been bombarding me for quite some time. You can’t even turn on the TV, or the radio, or go out into the street for a few seconds without hearing tunes or jingles that don't make any sense, that are deliberately set up fashions designed to last no more than 10 days, and quite frankly I am sick and tired of it all.
¿Where does it come from and from whom? It seems that one of the most lucrative businesses in Spain (and I suppose in many other countries as well) is that of indiscriminately churning out musical rubbish, one chunk after another, until we tire of it. The thing is that we do not tire of it. Why is that? Has our sense of good taste atrophied or our musical ear gone deaf?
The vengeance I wreak on all of them is “Eleanor Rigby”, a great and powerful theme which was produced by four young men (as they were, a few years ago) who wrote not only good songs but about good subjects. That is to say songs which were open to different interpretations. Their style was a milestone in our or vision of life. They got together forty years ago although, even today, it is quite clear that this quartet, in its original form is held to be still valid today. They use the counterpoint. They use metric and lyrical phrases which constitute a song: simply a song. Nowadays, I miss those artists who possess their own, individual sound and create trends and innovations in musical style. The spotty-faced “groups” just emerging from adolescence, clad in stock from Zara just make me tired. Their ignorant yobbishness goes to extremes. I cannot understand how they don’t even know who the Beatles or Bruce Springsteen are.
A propos of this opus that I would like you to hear: it is a magnificent arrangement by the colombian writer and composer Edgar Ordóñez. You can view his profile on YouTube by clicking HERE. These are seven pages of intelligent sound effects and pure rhythm in which the composer/ arranger shows the clear influence of Bela Bartok. What I’d like to point out in this arrangement is the rupture of mechanisms. It contains several, immediately identifiable and of very short duration, from the quite articulate semi-quavers to the accentuated black notes. Salient are the delicacy of the introduction and the finale which lead us to an eagerly awaited adagio. It is a bit of a challenge to place your finger right for the pop rhythm. Edgar has caught the perfect balance between not being too jazzy and the inclusion of evident classical connotations. How, with a total absence of set patterns does he achieve such an almost brutal movement. This is a very interesting piece which affords the work-a-day pianist those sonorous echoes which should never be lacking. I recommend you listen to this. I would like to thank Edgar Ordóñez for generously sending me the score. Works as extraordinary as this demonstrate that there is still good music around. I hope you enjoy it and will never be satisfied with anything less.
I dedicate this song to all lovers of good music.
Note: this arrangement by Edgar Ordóñez is intended for students of intermediate to advanced level.
Presento al nuevo miembro de la casa: Wanda. Es un Beagle que tiene mes y medio y ya se ha marchado con nosotros de vacaciones a Galicia. Este vídeo es la presentación que mi hija Marieta ha grabado recién llegados de vacaciones. Como veis es adorable. Y qué mejor tema que la Bella y la Bestia.
Respecto a la obra: como todo Disney nos toca el corazón (bueno, y a veces la moral). La experiencia que yo tengo con esta obra en el último trimestre del curso pasado fue la siguiente: una alumna (adolescenta) intentando tocar un sencillo Nocturno de Chopin. Al notar que ella no entendía lo que eran dos planos, se me ocurrió proponerle un paréntesis con esta obra, que, naturalmente, montó en media tarde. Cantar: mano derecha, acompañar: mano izquierda. Tan simple como eso. Es curioso comprobar cómo si se sabe la letra de una canción la lírica sale por sí misma.
Como anécdota: viviendo lo anterior un alumno (adolescento, 13 años, campeón de Nintendo) me pidió la fotocopia de esta partitura, alegando lo mucho que le gustaría a su hermana pequeña. Pocos días después me enteré de que era hijo único. Disney llega. Todos tenemos un corazoncito.
Tenéis que perdonarme los superrubatos y la edulcoración de las frases, pero viendo la cara de Wanda, todo se perdona.
Nota: a las doce horas de esta grabación la pobre Wanda se puso muy enferma y terminó en coma. Gracias al trabajo de la doctora Merce y su equipo, Wanda ha salido adelante. ¡Gracias!
Otra nota: la calidad de audio es peor de lo normal porque esta vez lo improvisé, y no saqué todo el equipo.
Poned una Wanda en vuestra vida. Saludos.
I’d like to introduce the new member of our family: Wanda. She is a six-week-old Beagle and she has already come with us on our holidays in Galicia. This video is the presentation that my daughter Marieta recorded recently after we got back home. As you can see, she is adorable. So, what better subject than Beauty and the Beast?
A propos of the work: as all of Disney touches our hearts (well, on occasions even our morals). The experience I have with this work during the final trimester of this last course was as follows: a female student (adolescent) was attempting to play a simple Chopin Nocturne. As I noticed that she didn’t understand what two planes were, it occurred to me to suggest to her that she pause from this work which, naturally performed in half an afternoon. Sing: right hand, accompany: left hand. As simple as that. It is strange to find that, if you know the words of a song the melody come naturally, of itself.
As an anecdote: having tried the above, a pupil (a thirteen-year-old boy who was a champion at Nintendo) asked me for a copy of this score, saying how much his little sister would like it. A few days later I found out that he was an only child. Disney arrives. We all have a little bit of heart.
You really must forgive me for all these super-rubatos and rather saccharine phrases but, just seeing Wanda’s little face, all can be forgiven.
Note: twelve hours after this video was recorded, Wanda was taken ill and ended up in a coma. Thanks to the help of Doctor Merce and her team, Wanda has recovered. Thank you!
Another note: the sound quality is not so good as normal because this time I improvised and didn’t get all of the equipment out.
Put a Wanda in your life! Best wishes.
Una genialidad. Escuchadlo sin verlo.
This is brilliant! Listen to it without watching it.
Aquí os muestro un vídeo que me ha hecho reir bastante. Ideal para estas vacaciones y tiempo de relax.
Here is a very funny video that made me laugh. It’s ideal for these holidays and with time to relax.
Llevo apenas cuatro meses con el blog, y quiero agradeceros a todos los que me seguís vuestro apoyo. Nunca imaginé las dos medallas que me dió la Fuga Nokia en YouTube. A todos los que me seguís, gracias, con mayúsculas, GRACIAS.
Veo que me seguís mucho, aunque comentáis poco. Por favor, comentad, o sea, COMENTAD. Ayuda y estimula mucho a seguir. Los instrumentistas somos un poco huevones a la hora de abrir la boca.
Me interesa mucho en estos momentos que estoy de vacaciones tocándome las narices recordaros que soy una humilde ama de casa a cargo de una niña pequeña, un marido ejemplar y una hipoteca igualmente ejemplar. Los comentarios a los que hice antes alusión, CEBAOS.
Sorpresas: os las llevaréis los que os cebéis, pues pretendo cuando tenga ganas y tiempo, hacer una serie de artículos elementales sobre una serie de encuentros en el piano que muchos de vosotros estudiantes, tenéis en el piano, y de los que pocos salís victoriosos, por lo que he visto a final de curso.
Sentiré interferir en vuestro talento en desarrollo, pero hasta que no seáis un talento desarrollado, tenéis que permitirme el alentaros en vuestra formación.
Me gustaría mucho que si a alguno de vosotros le ha llegado alguna minúscula partícula de este blog, fuera que, con buen trabajo, interés y en poco tiempo se pueden lograr grandes resultados.
Te amo, CarlPhilipp.
Buen verano a todos.
I started this blog only four months ago, and I would like to thank all those who follow it and support me. I never imagined I would be awarded two medals from the Nokia Fugue on YouTube. To all those who follow my blog, thank you. In big letters: THANK YOU!
I see you that follow me a lot, but you make very few comments. So please, do make comments… I mean, MAKE COMMENTS. It helps and encourages me to continue. We instrumentalists are very lazy when it comes to opening our mouths.
Now that I’m on vacation and with nothing to do, I would like to remind you that I am a humble housewife responsible for a small daughter, a model husband and an equally model mortgage. Regarding those “comments” I mentioned above, I need feed-back, so start FEEDING!
Surprises: all those of you who do provide me with feed-back will get a surprise, because I want to publish a series of basic articles –when I have time and the will to do it– about some sessions that many of you as students have had on the piano, and that very few, as far as I can see, passed at the end of the course.
Sorry for interfering in your developing talent, but you did allow me to encourage you in your education until you become a developed talent.
I would be very happy if one of the things that you have learnt from this blog is that with hard work and interest you can achieve great results in a short time.
I love you, CarlPhilipp.
Good summer to all of you.
Precedentes:
Composers of the USA since 1950
Precedents:
• Charles Ives
• Henry Cowell
Of the period stated
• John Cage
• Milton Babbitt
• George Crumb
The American contribution to music for the piano has been fundamentally based on new forms of treating the instrument. We already encounter in Charles Ives the idea of writing un-performable chords always based with the supposition that we do not know what future possibilities for the piano will be, as well as on the need for the Sonata Concorde to use a piece of wood of specific dimensions placed on certain black keys in order to be able to strike all of them at once with ease. More daring is Henry Cowell who, apart from being one of the pioneers in the use of the cluster, shows a tendency to play the piano within the box using the effect known as Aeolian harp (to touch certain keys without sound. while strumming the chords with the other hand) in one of his Piano Pieces. Within this period, we must mention John Cage, who for all practical purposes, invented the prepared piano (on certain chords and at specific distances materials are placed such as leather, screws, etc., so that the sound produced on striking the key is different from what one might expect. The technique is not necessarily dangerous for the piano. Cage was famous for leaving pianos in a better state than that in which he had found them). Many of the pieces used this system due to the number of ballets that he prepared with Merce Cunningham the most significant ones are the Sonatas and Interludes for prepared piano. Equally outstanding is his use of randomness in pieces such as the Concerto for piano and Orchestra, which is full of indeterminate notations. Along this same path a further step was taken by Jorge Crumb, a composer of the so-called eclectic school whose interest in timbre (this led him always to use the piano with amplification so that the effects be audible) caused him to intervene, in real time, inside the piano box, which obviously provides a greater flexibility and versatility in the interpretation. His effects, which are too numerous to be completely listed here, include pizzicatos, chord harmonics, insertion of sheets of glass, paper or chains on the piano chords, cause the chord, once struck, to vibrate against a piece of metal, glissandos over the chords, etc. Of course, the use of clusters is very similar. Veritable compendiums of all such instrumental uses are the Makrocosmos I and II (piano solo), Makrokosmos III or Music for a Summer evening (for two pianos and percussion) and Makrokosmos IV (piano for four hands). Milton Babbitt follows a path more similar to the European with strictly serial techniques –to which he adds various others– which gives him hyper-precise, dynamic control which we can find in the Semi-simple variations. Little more can I add but to mention the Minimalism which was so much in vogue in the USA does not, for the moment, appear to have produced any piano innovations.
Este es el tercer vídeo de un ciclo de tres , de muy diversos estilos, que dedicaré a la fuga. Aquí tenéis las direcciones de los otros dos, de los que os recomiendo sobre todo el primero, en que encontraréis bastantes comentarios sobre las fugas en general.
Concluyo este ciclo con esta última fuga, necesaria. Hablar de la fuga y no hablar de Bach es como pedir a alguien con voto de castidad que te hable de sexo.
¿Por qué esta fuga, perteneciente a una tocata (Tocata 5, BWV 914) y no una de las 48 fugas del Clave Bien Temperado? (Por cierto, puedes descargar la tocata completa de aquí)
Porque decidí en este trío de fugas que todas fueran autosuficientes. Si bien en esta tocata hay dos piezas previas, son ambas de un carácter también tan esencialmente fugado que no aportan el contraste o preparación previa que podría dar, por ejemplo, un preludio.
Elementos técnicos de esta fuga:
Es una fuga, por supuesto, con exposición. El sujeto muestra fuertes rasgos del llamado style lutheé, de gran popularidad en el momento, y hace gala de ostensibles cromatismos, por lo que los subsiguientes episodios no tienen necesidad de ser grándemente modulantes —no aportarían desarrollo tonal por encima del que tiene el propio sujeto. Contrasujeto muy marcado. Decurso de la fuga, por lo arriba aludido, esencialmente expositivo, donde los episodios aportan más un papel de contraste que de desarrollo. Cadencia de gran expansión.
Esta fuga tiene cierta extensión. Son casi cuatro páginas de puras semicorcheas donde tendremos que tener en cuenta nuestro aguante físico, ya que el tempo es bastante rápido. Si tenemos esto en cuenta, nuestra articulación deberá ser ligera, procurando "descansar" en todas y cada una de cuantas resoluciones encontremos. Efectivamente, el contrasujeto aparece contrastando con unos portatos ágiles. De este modo, cada elemento quedará encuadrado en su sitio. En apenas una docena de compases deberemos de haber dicho claramente nuestro mensaje. Una larga frase articulada seguida de unos portatos resolutivos.
Cuando las voces se superponen nos van a dar básicamente intervalos de terceras y sextas, por lo tanto nuestra mano deberá comportarse como un molde, no debiendo destacar una por encima de otra.
A partir del compás 20, en el episodio que comenzamos, la mano izquierda llevará un legato que contrastará enormemente con el nerviosismo hasta ahora trazado. Interpretativamente esto será muy interesante.
A partir del compás 34 nos encontramos con una serie de progresiones, descendentes y ascendentes. Afortunadamente, Bach es tan generoso que nos da semicadencias para descansar. Esto no quiere decir que nos relajemos, puesto que el plato fuerte nos espera a a partir de aquí. En mi interpretación —muy particular— de esta fuga, las personas que la conzcáis habréis oído que las semicorcheas las convierto prácticamente en corcheas. Esto me parece legítimo, ya que quería empezar a preparar desde cero la enorme cadencia final. Esta cadencia es prácticamente la última página completa, con su punto más culminante diez compases antes del final. La gran confirmación de la tonalidad nos lleva a un fortísimo con sforzato. Y para llegar aquí os recuerdo que empezamos a preparar esa cadencia previa tres octavas graves en el piano.
¿No hay nota pedal? Siete compases antes del final empieza una pedal de dominante. No necesariamente la nota pedal tiene que ser de un valor largo, puesto que existe la posibilidad de articularla. La resonancia que esta pedal va a a generar nos va a conducir a un vibrato de pedal, enlazado con la siguiente pedal (cuatro compases con anacrusa antes del final), que realizaremos con el mismo procedimiento. El final es, simplemente, tan cantabile y ritenuto como se quiera.
Es una obra genial (toda la tocata) y quiero reseñar que esta fuga contrasta enormemente con la simplicidad de los dos movimientos que la preceden.
La velocidad va a ser uno de nuestros mínimos problemas en esta obra, puesto que tanto los intervalos como la consecución de semicorcheas es siempre de lo más cómodo.
No os cortéis a la hora de poner pedal, siempre que tengáis en cuenta pedales breves y de enlace. Naturalmente, en la cadencia final, pensad en el piano a lo grande. La disfrutaréis mucho.